ドラムという楽器は、そのサウンドの存在感もさることながら、ビジュアル面での華やかさも兼ね備えていて、聴く人や観る人を大いに魅了します。

サウンドもルックスも、とてもダイナミック。楽器でありながら、どこかスポーティーな演奏スタイル。

音楽好きなら、誰もがきっと一度は「カッコイイ！」「叩いてみたい！」と思ってしまうドラムですが、未だに敷居の高いイメージが定着していて、日本では、まだまだドラマー人口が少ないのが現状です。

是非とも、「もっと多くの人に、ドラムの楽しさを味わってもらいたいと」いう思いも込めて、今回は、ドラムがバンド全体にもたらす「影響力」にスポットを当てて書いてみたいと思います。

ここで、スタンダードな４人編成バンドにおける、各パートの「ステージでの立ち位置」を考えてみます。

まずは、ヴォーカルがセンターの一番前。続いて、ギターとベースが両サイドで、ヴォーカルの少し後ろ。最後に、ドラムがセンターの一番奥。

大抵の場合、この「ダイヤモンド型」のフォーメーションが基本です。バンドによっては、ギターとベースが左右入れ替わる位で、ドラムは常に、観客から一番離れた位置にセッティングされています。

私は、バンドを始めたばかりの若かりし頃、ずっと疑問に思っていました。

「ドラムが一番後ろって、誰が決めたんだろう？」
「ドラムが一番前だと、何でダメなんだろう？」

まるで、暗黙の了解であるかのように決められた、バンドの立ち位置に不満を抱き、自分の担当楽器であるドラムを、何とか「前面に押し出せないだろうか？」という事ばかり考えていたのです(笑)。

ところが、バンド活動を続ける中で、このダイヤモンドの意義を「なるほど！」と、自分なりに心から納得する瞬間が訪れました。

それからというもの、私は、ドラムの役割に徹する楽しさを感じるようになったのです。

私が思うに、ドラムが一番後ろに位置するべき理由は、その音像が極めて「立体」であるからです。「高さ」があり、「幅」があり、「奥行き」がある。いわば、大きな「壁」のようなものです。

もしも、壁が最前列にあったとしたら、奥の音は観客に伝わりません。最後列にドラムの壁があるからこそ、全体の音を後ろに漏らさず、ステージ上で「パッケージ化」して、かたまりとして聴かせる事ができるのです。

それに加えて、ドラムには「音圧」があります。イメージとしては、奥から観客席に向けて、ギターやベース、ヴォーカルの音を絡めながら「押し出す」働きをしているのです。いわば「強風」のようなものです。

この「強風を起こす壁」が、常にバックから見守っているからこそ、他の楽器隊のパフォーマンスも安定し、観客のヴォルテージを上げていく事が可能になるのです。